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Art Culture

„Facing India“ from April 29, 2018 in the Kunstmuseum Wolfsburg

The Kunstmuseum Wolfsburg is presenting the first exhibition in Germany featuring six women artists from India.

"Facing India" from April 29, 2018 in the Kunstmuseum Wolfsburg

Prajakta Potnis, Capsule I, 2012 (Source: © Courtesy of the artist and Project 88, Mumbai)

Although women and men have equal legal status, Indian society is profoundly marked by patriarchy. India finds itself in a state of fundamental social change, yet it remains torn between the poles of tradition and progress – and in this field of tension, women are still strongly disadvantaged. The rapid development of urban India thus runs contrary to the living conditions in rural areas. Countless ethnicities, castes, languages, cultures, religions, and philosophies form an ostensibly pluralistic society, in which identity is defined by differentiation from the respective other. The social structure of India thus reflects that of our global community as a whole, which basically struggles with the same issues.

„Facing India“ examines the question of how one“s own national history, present, and future manifest themselves from a female point of view. In their multimedia works, Vibha Galhotra, Bharti Kher, Prajakta Potnis, Reena Saini Kallat, Mithu Sen, and Tejal Shah shift attention towards historical and contemporary conflicts. Poetic, metaphorical, and quiet, but also radical, direct, and loud – they question borders of all kinds, be these political, territorial, ecological, religious, social, personal, or gender-based. The history of these borders, their visibility and invisibility, their legitimacy, and not seldom their dissolution are the themes of the works presented in „Facing India“. The exhibition focuses on six positions in order to present these more comprehensively. Socialized and educated in an increasingly globalized world, these women artists no longer limit their „border controls“ solely to India, but rather reach out into other countries and continents. The state, society, and the individual, as well as questions regarding identity and the environment, are critically examined. Nevertheless, as broad as their range of topics may be, explicit and implicit references to the presence of the feminine and the position of women, as well as solidarity and empathy, are recurring themes throughout the exhibition.

„Facing India“ was developed out of a continuing dialog with the artists and reflects a kind of collective plea for communication and the notion of unity in diversity beyond pigeonhole thinking and caste mentality. The exhibition architecture incorporates these ideas. Each of the six artists has her own separate exhibition space, which are arranged to provide clear visual relations to each other. The center of the exhibition is an open communication forum, which allows the visitor a view in all directions – both literally and metaphorically.

The catalog, edited by Ralf Beil and Uta Ruhkamp in separate German and English versions, with a preface by Ralf Beil and an introduction by Uta Ruhkamp, essays by Urvashi Butalia, head of the feminist publishing house Zubaan, and Roobina Karode, director of the Kiran Nadar Museum of Art in New Delhi and Noida, as well as in-depth interviews with all six artists conducted by Uta Ruhkamp. Hatje Cantz Publishers, 240 pages with 150 illustrations, 24 x 31 cm, hardcover, 38 € in the museum shop.

The exhibition will be held from April, 29. until October 7, 2018.

Press preview on Thursday, April 26, 2018, 11:15 a.m.

Opening on Saturday, April 28, 2018, 7 p.m. with party from 9 p.m.

The Kunstmuseum Wolfsburg is one of Lower Saxony“s cultural beacons. Opened in 1994, the non-profit foundation above all realizes wide-ranging thematic cultural history exhibitions alongside major monographic presentations of contemporary art. A unique architectural feature is the 16-meter high and 1600 square meter large exhibition space-a Germany-wide unparalleled possibility space for art and cultural with a large international impact.

Kunstmuseum Wolfsburg
Christiane Heuwinkel
Hollerplatz 1
38440 Wolfsburg
Phone: 05361266969
E-Mail: info@kunstmuseum-wolfsburg.de
Url: http://www.kunstmuseum-wolfsburg.de

Kunstmuseum Wolfsburg
Christiane Heuwinkel
Hollerplatz 1
38440 Wolfsburg
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Kunst Kultur Gastronomie

artists.de – ein Online-Kunstmarkt fur zeitgenössische Kunst

Online-Galerie mit über 160.000 Kunstwerken

artists.de - ein Online-Kunstmarkt fur zeitgenössische Kunst

IMG. Stephan Widera, Courtesy Slow Art Galerie

artists.de ist eine schnell wachsende Handelsplattform für zeitgenössische Kunst.
Aktuell findet der kunstinteressierte Besucher dort über 160.000 Kunstwerke von mehr als 200 Galerien und von rund 20.000 Künstlern. Damit bietet die Kunst-Plattform die größte Auswahl zeitgenössischer Original-Kunst im deutsch-sprachigen Raum und eröffnet viele neue Entdeckungsmöglichkeiten.

artists.de ist auf zeitgenössische Kunst (Gegenwartskunst / Contemporary Art), also Kunst nach 1945, spezialisiert. Auf der Kunstplattform bieten Galerien, Künstler, Sammler und Kunsthändler Kunstwerke zum Verkauf an.
Der größte Teil der hier eingestellten Kunstwerke wird direkt von den Künstlern angeboten. Besonders Künstlern ohne Galerievertretung bietet die Kunst-Plattform einen seriösen alternativen Vertriebsweg zum klassischen Kunsthandel.

Der Kunstmarkt artists.de focussiert sich auf „echte“ zeitgenössische Original-Kunst also Unikate, Original-Grafik und limitierte Editionen (keine Poster u.ä.). Das Angebot umfasst das gesamte Spektrum zeitgenössischer Kunst und reicht vom jungen Talent bis zum etablierten, weltberühmten Künstler. Es sind alle künstlerischen Techniken und Genres vertreten, von preisgünstigen Editionen bis zu hochpreisigen Unikaten.

artists.de ermöglicht allen Kunstinteressierten einen einfachen Weg zum Kauf oder Verkauf zeitgenössischer Kunst, bequem vom PC aus, ohne Hemmschwellen und ohne Zeit- oder Verkaufsdruck.
Komfortable Suchfunktionen machen das Finden von Kunstwerken einfach. Der Kunst-Interessent kann bei artists.de nach unterschiedlichsten Kriterien, wie z.B. Name, Titel, Technik, Stil, Grösse, Preis oder Stichworten suchen.

Die Nutzung von artists.de ist für Kunst-Anbieter wie für Kunst-Suchende kostenlos. Auch eine Mitgliedschaft kann kostenlos abgeschlossen werden. Mit dieser Mitgliedschaft können Besucher z.B. selbst Kunstwerke einstellen, Favoriten abspeichern und das interne Mailsystem nutzen. Auf Wunsch können Künstler eine (kostenpflichtige) Premium-Mitgliedschaft mit erweiterten Funktionen abschließen. Bei Verkäufen wird vom Verkäufer eine geringe Provision erhoben.

Kaufinteressenten profitieren besonders von der größeren Auswahl, welche keine einzelne Galerie oder kein einzelner Kunsthändler bieten kann. Bei artists. de kann der Kunstinteressierte daher viele neue Künstler entdecken und gelegentlich auch echte „Schnäppchen“ machen.

artists.de bietet einen zeitgemäßen Vertriebsweg für Originalkunst. Denn auch der Kunstmarkt verlagert sich immer stärker ins Internet und immer mehr Künstler und Käufer haben dies schon erkannt.

4D Projects GmbH ist ein Spezialdienstleister für Web-Design, Online- und Mobile-Entwicklung. Seit 2000 realisiert das Unternehmen Internet-Projekte und mobile Applikationen, von der Unternehmens-Website bis zum iPhone-, iPad- oder Android-App. Zu den Referenzen des Unternehmens gehören u.a. Asics, Commerzbank, DiBa, E-Plus, Ferrero, KPN, Mercedes Benz, Remy Martin, RTL, Sony, Vodafone u.v.a.
Auch betreibts das Unternehmen diverse Kunst-Portale.

4D Projects GmbH
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40215 Düsseldorf
0211 – 74 95 80 00

Art Culture

New art you Never get Tired of

Carolin Israel exhibits 11 paintings at RPR ART

New art you Never get Tired of

Carolin Israel, Beetlejuice, 2017.

Young artist Carolin Israel, a former student of Katharina Grosse, shows 11 of her latest paintings online at RPR ART until September 17, 2017. This is the first exhibition by the recently founded art advisory business that dedicates exhibition space to selected talented artists from Düsseldorf Kunstakademie.

Carolin Israel was born in Chemnitz, Germany, in 1990. She has completed her Master Degree in Art at Academy of Fine Art, Dresden in 2014. From 2015 to 2016, she studied with Professor Katharina Grosse and Professor Tomma Abts at Kunstakademie Düsseldorf. In 2017, she worked in New York City. She has received numerous grants and prizes, among them the Lucas Cranach Grant of the city of Wittenberg in 2014. The artistlives and works in Düsseldorf, Germany.
Early into her studies at theAcademy of Fine Arts in Dresden, Carolin Israel found art as the base of her daily doings and as a journey for her personality as well: „I always have the feeling that I“m working and making progress on something bigger that wants to be discovered“.

Israel wants to make an honest statement and explore the field of painting with her art. „My works are supposed to have a visual impact, that invites the viewer to take the time to observe and to develop their own thoughts.“ German artist Katharina Grosse has influenced her very much. In the future, Israel wishes to expand her art by provoking even more questions and thoughts to invite others to be open, to see new things, and to look at supposedly familiar things in different ways.

The artist mostly works in layers of acrylic and oil colours as well as some techniques with airbrush and cans. Israel: „I rarely ever start my works with a concrete sketch or plan. I usually follow my imagination.“ In general, she works on many art pieces simultaneously. Sometimes she draws as well and uses coal and ink on paper.

In her 11 paintings on display, Carolin Israel offers a fresh view on nature („Spring“, „Fire walk with me“, „Flora and Fauna“) and gives a still life setting a modern twist in „Krug“ („Pitcher“). She incorporates not only ancient Greek topics („Homer“) but also uses ideas from the digital world („It“s a me 2“), and gets inspiration from street art („Urban Exploring“). Sometimes the artist uses very bright colours (Raupy) that emphasize a fresh view on things around us. She works in different layers which invites the viewer to always discover something new („windows“, „Beetlejuice“). This way, the beholder develops own imagination and will never grow tired of the images.

The paintings are mostly done in oil or acrylic on MDF (Medium Density Fibreboard) and come in different sizes from small to large.

The Online Sales Exhibition on www.rpr-art.com runs through September 17, 2017.

Read our full interview with Carolin Israel at www.rpr-art.com

RPR ART is an art advisory business that helps you find art you like and invest wisely.

Ruth Polleit Riechert
Ölmühlweg 33C
61462 Königstein
Phone: 0173-6730052
E-Mail: contact@rpr-art.com
Url: http://www.rpr-art.com

Kunst Kultur Gastronomie

82-jähriger Künstler im Aufwind

30 Jahre kunstschaffend und kein bisschen müde!

82-jähriger Künstler im Aufwind

Hans Rudolf Weber – HRW Art

Der Schweizer Künstler Hans Rudolf Weber, geboren 1935 in Chur, zeichnet sich mit Werken aus, welche von Humor, Leichtigkeit und Tiefgründigkeit sprechen. Seine Empfindungen und Interpretationen von Eindrücken aus geschäftlichen und zwischenmenschlichen Kontakten als auch aus Natur, Farben und Formen setzt Hans Rudolf Weber in abstrakter Malerei und Skulpturen aus Plexiglas, Scotchcast und Metall um. Webseite
Sein Werk spannt sich von 1982 bis heute. Hans Rudolf Weber begann 1982 mit Landschaftsmalerei, wechselte 1989 zur abstrakten Malerei und entwickelte 1996 seine ersten Skulpturen. Stetige Weiterentwicklung, ein neugieriger Geist und hohe Qualität, zeichnen sein künstlerisches Schaffen aus. Die Verwendung einer Vielzahl von Techniken, bis hin zu digital bearbeiteten Kreationen machen sein Werk spannend und zeitlos.

Ausstellungen 2017:
21.-24. September 2017 Contemporary Art Fair – Art International Zurich
16. September bis 9. Oktober 2017 – Kunst im West Zürich

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Lisa Luginbuhl
Riedmühlestr. 7b
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Art Culture


30.10.2016 – 19.2.2017


THINK. THINK. THINK. American artists such as Andy Warhol, Roy Lichtenstein and Robert Rauschenberg have powerfully occupied the meaning of „POP ART“. But also the movement in Great Britain should not be ignored. An exhibition at Kunstmuseum Wolfsburg now closes this memory gap. Under the title „THIS IS TOMORROW“ the show presents not only the most important representatives of the BRITISH POP ART, it also describes how the idea came into the world.

„POP!“ In a puffy white cloud the word pops out of the barrel of a gun in 1947. Eduardo Paolozzi’s collage includes a cola bottle, a pin-up, cherry pie and a US bomber. A little later „POP“ becomes the signum of an entire era. Palozzi was co-founding member of ‚THE INDEPENDENT GROUP‘, a gathering of young painters, sculptors, architects, writers and critics, and the group discusses about pop culture elements such as mass advertising, movies, product design, comic strips, science fiction and technology. ‚THE INDEPENDENT GROUP‘ is regarded as the precursor to the BRITISH POP ART movement.

Beside Palozzi ‚THE INDEPENDENT GROUP‘ members included Richard Hamilton and architects Alison and Peter Smithson can be rediscovered at Stadtmuseum Wolfsburg. Exactly 60 years ago Richard Hamilton realized his trailblazing multimedia installation „FUN HOUSE“ for the exhibition ‚THIS IS TOMORROW‘ in London. The retrospective at Stadtmuseum Wolfsburg is showing a reconstruction of ‚FUN HOUSE‘ as a key work of the exhibition.
LOOK! FEEL! LISTEN! SMELL! Grid points form a face, on the forehead written „THINK. THINK. THINK“. Right along a collage of superheroes and Marilyn Monroe, Guinness bottle and Van Gogh flower image, accompanied by jukebox sound, a soft nap bottom, that diffuses strawberry smell.

‚THIS WAS TOMORROW‘, the title refers, of course, to Richard Hamilton’s early POP ART exhibition, is showing a comprehensive panorama of early POP ART in the UK: not only painting, sculpture, collage, architecture, drawing and installation, but also entertaining videos and audios, film, music and television. In the style of modern London artists‘ houses and squares Kunstmuseum Wolfsburg has created its 16-meter-high exhibition hall for the highly individual, and yet not seldom close stakeholders of the art and cultural scene of the „SWINGING SIXTIES“.

Key protagonists such as Peter Blake, David Hockney, R. B. Kitaj and Allen Jones, generally lesser-known but essential figures such as Derek Boshier, Peter Phillips, Richard Smith, Gerald Laing, Patrick Caulfield, Antony Donaldson, Colin Self and Joe Tilson, as well as the often neglected, decidedly feminine stances of Pauline Boty and Jann Haworth, can be experienced, along with larger groups of works.

Peter Blake portrays himself as a jeansjacket carrier with Elvis buttons, qotes from Manet, the „LIFE“ magazine or the Beatles as part of his collages. We find Gerald Laings Godard icon „Anna Karina“, a brightly colored version of a Delacroix painting by Patrick Caulfield’s, a sexually charged painting by Peter Philipps, Laings grid picture „Brigitte Bardot“. Boty offers her perspective on a female icon – „Color her Gone“ (1962), her tribute to Marilyn Monroe. On the other hand Allen Jones with the fetish female body as a „table“ or „chair“, the young Hockney dares his coming out with hearts and homosexual couples. Kitaj’s large formats, puzzles full of literary and private allusions. Jann Haworth is modeling body and muscles of her life-size „Surfer“ by using silk stockings.

Together with her husband Peter Blake, Haworth designed the legendary Beatles cover for Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band album. So the overview also shows works that belongs to the media world like film and pop music. The Beatles, the Rolling Stones, the Who for example, are appearing in form of art objects, a „sound bar and as protagonists of a BBC-Dokumentation, so the cross-over between art and music of the ‚SWINGING LONDON OF THE SIXTIES‘ will also be present in the exhibition.

‚THIS WAS TOMORROW‘ enables visitors to experience the artistic and cultural historical significance of BRITISH POP ART with all their senses and it seems to be more relevant than ever. The questioning of gender roles and sexual taboos, the reflexion on consumerism, the risks of power politics and nuclear policy, social hierarchies – the central themes of POP ART from Great Britain continue to concern us.

Kunstmuseum Wolfsburg
30. Oktober 2016 bis 19. Februar 2017
Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag 11 – 18 Uh

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Sieglinde Grunwald
Zur Bettfedernfabrik 1
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0049 511 455963

Tourismus Reisen

Abschlussausstellung der zweiten St. Moritz Sessions im Schweizerhof am 25.08.2014 eröffnet

In Anwesenheit von Reto Grond, Jacob Klein und Nathan Cowen wurde am vergangenen Samstag die Abschlussausstellung der zweiten St. Moritz Sessions im Schweizerhof eröffnet. Bis zum 31. August können die Skulptur des aus St. Moritz stammenden Bildhauer

Kontraste als zentrales Thema

Kontraste sind das zentrale Thema der zweiten St. Moritz Sessions: Das Spiel zwischen Klischee und Wirklichkeit genauso wie die Spannung zwischen unbändiger Natur und kühler Ästhetik. Kostas Murkudis nährt sich dem Thema über die Kombination scheinbar fremder Materialien wie Engadiner Schafsfell und einem an Gaze erinnernden Polymer. Jacob Klein und Nathan Cowen von Haw-Lin Services inszenieren das avantgardistische Oberteil in einer grossen Videoinstallation. Auf einem Triptychon bestehend aus drei Projektionsflächen ist eine fast geisterhaft wirkende Tänzerin in einem Spannungsfeld aus Bewegung, Licht und Schatten zu sehen. Das Arven Puzzle Reto Gronds greift mit dem typisch Engadiner Holz eines der Materialien auf, das auch in St. Moritz eine wichtige Rolle spielt. Seine elliptische Skulptur fordert durch seine fragmentierte und gleichzeitig geschmeidige Oberfläche geradezu dazu auf, berührt und ertastet zu werden.

Eine besondere Herausforderung

Martin Scherer, Direktor des Schweizerhofs, bemerkte anlässlich der Ausstellungseröffnung: "Man merkt sofort, da steckt sehr viel Herzblut drin. Es war für alle Beteiligten eine grosse Herausforderung, die künstlerischen Visionen, in dieser Form umzusetzen. Wir sind sehr glücklich, dass es jetzt so grossartig wirkt." Diese hohen Ansprüche aber haben sich offensichtlich ausgezahlt, denn in seiner ästhetischen wie inhaltlichen Radikalität bilden die drei Arbeiten der Artists in Residence des Schweizerhofs eine starke künstlerische Aussage, die eine Auseinandersetzung lohnt.

Ein Hotel und drei Künstler

Im Rahmen der "St. Moritz Sessions" gibt das Hotel Schweizerhof St. Moritz aussergewöhnlich kreativen Vertretern aus verschiedenen Disziplinen wie Musik, Lyrik, Malerei, Design und Fotografie in regelmässigen Abständen die Möglichkeit, als Artists in Residence eine Woche im Engadin zu verbringen. Der künstlerische Fokus liegt dabei auf modernen Kunstformen. Während der Zeit ihres Aufenthalts entstehen so zeitgenössische Arbeiten, die das traditionsreiche Hotel und die eindrückliche Landschaft von St. Moritz einbeziehen. In diesem besonderen Verhältnis zwischen Tradition und Moderne spiegelt sich nicht zuletzt der Reiz des Schweizerhofs selbst. Den Abschluss jeder Session bildet eine Werkschau in Form eines eintägigen Events, zu dem Interessierte genauso herzlich eingeladen sind, wie die Besucher des Hotels selbst. Mit dem Abstand von mehreren Wochen kehren die Teilnehmer des Artists in Residence Programms erneut in den Schweizerhof zurück und zeigen schliesslich die fertigen Arbeiten.

Moritz Micalef

Amt für Ideen · mit Kultur kommunizieren
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EU · Bergmannstraße 68 · 10961 Berlin

Telephonie +49 30 68007838
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Kunst Kultur Gastronomie

Tina Heuter & Katharina Schnitzler – „Ich will eine … einen …“

Ein Mädchen mit Kalb und die zweidimensionale Frau, mianki.Gallery zeigt neue Arbeiten von Tina Heuter & Katharina Schnitzler Unter dem Titel „Ich will eine … einen …“ wird vom 26.06. bis 23.08.2014 in der Berliner mianki.Gallery -bekannt für Arbeiten mit außer- und ungewöhnlichen Materialien – eine Gemeinschaftsausstellung der Berliner Künstlerinnen Tina Heuter, Skulpturen und Katharina …..

Die Inszenierung und die Darstellung der eigenen Person ist nicht nur ein Phänomen in allen Kulturen, sie ist eine Kunst. Unser Leben und unser Alltag sind davon geprägt – egal, ob es um den Moment geht, um die Partnerwahl oder vielleicht um die eigene berufliche Karriere. Es gibt viele Situationen, in denen es darauf ankommt, „richtig“ zu wirken. So vielfältig die Situationen sind, so vielfältig sind auch unsere Wirkungsmöglichkeiten. Es ist schon eine Kunst, dass wir uns so präsentieren, dass wir die Reaktionen erzielen, die wir zu erzielen beabsichtigen. Immer begleitet von den Fragen „Wen oder was will ich? Kann ich es überhaupt bekommen?“

Tina Heuter und Katharina Schnitzler gehen in ihren Arbeiten, auf unterschiedliche Weise, diesem Phänomen nach. Dies erleben wir in der Gegenüberstellung der Ausstellung „Ich will eine … einen …“, auf humorvolle Art. Tina Heuter beobachtet feinsinnig den Menschen im Alltag. Sie hält uns mit ihren Skulpturen aus Bronze, Beton und Papier spielerisch den Spiegel vor. In ihren Öl-Zeichnungen, Zeichnungen und Bildinstallationen stellt Katharina Schnitzler hingegen in ihrer gewohnt humoristischen Weise unter anderem die Frage nach dem Idealbild der Frau.

Tina Heuter

Tina Heuter kombiniert gekonnt Mimik, Gestik und Haltung, ihre Plastiken erzählen Geschichten, ziehen uns regelrecht in ihren Bann. Im zweiten Schritt setzt sie zeitgenössische Materialien wie Beton oder Papier ein. Das führt sie konsequent weiter und hängt das Ganze dann sogar in den Raum und an die Wand. So entsteht eine ganz eigene, neue Art der Plastik. Sie zeigt uns, dass das Thema der figürlichen Plastik unendlich ist.

Einfach mal Träumen, oder doch Nachdenken, in Gedanken versunken, oder ganz stolz Schreiten. Und warum sollte eine Businessfrau mit einem Kalb spazieren gehen oder ein lässiger Typ mit einem Hasen? Trotz des Gegensatzes haben die neusten Arbeiten von Tina Heuter eine Selbstverständlichkeit und gleichzeitig einen spannenden Interpretationsspielraum für den Betrachter. Und der Typ, der lässig in der Ecke hängt, beobachtet – mit einer Gedankenblase „What a day“ – die Szenerie und obwohl er keine Standfläche hat, fehlt ihm nichts.

Um Stimmungen, Ausdrücke und Situationen geht es der Künstlerin, ohne sich dabei im Detail zu verlieren. Diese Stimmungen sind aber keines falls vordergründig, oder gar Plakativ. Durch die grobe Oberfläche, einer gekonnten Kombination aus Mimik, Gestik und Haltung, gelingt es Tina Heuter ihre Plastiken Geschichten erzählen zu lassen. Dabei ziehen uns die Figuren regelrecht in ihren Bann.

Diese Stimmungen greift Heuter im zweiten Schritt ganz geschickt, durch die Verwendung „zeitgenössischeren“ Materialien wie Beton, Stahl oder Papier für die Plastik erneut auf. Und wir erleben, was mit ein und derselben Plastik geschieht, wie sich Wirkung und Wahrnehmung verändern. So schafft Heuter es Ihren Arbeiten eine ungewohnte Aktualität zu geben und selbst die klassische Bronze erscheint in diesem Dialog wieder zeitgemäß und modern.

Das Spiel der Materialien führt sie Konsequent weiter, Kombiniert mit neuen Medien, stellt gegenüber und hängt das Ganze dann sogar in den Raum oder an die Wand. So entsteht eine ganz eigene, neue Art der Plastik. Tina Heuter zeigt uns, dass das Thema der figürlichen Plastik unendlich ist und führt uns dabei in einen spannenden Dialog mit ihren Werken, den Materialien, den Raum, mit uns, mit … und wir dürfen gespannt sein was sie in der Zukunft mit der klassischen Bildhauerei noch alles kombiniert.

Warum sollte eine Businessfrau mit einem Kalb spazieren gehen oder ein lässiger Typ mit einem Hasen? Trotz des Gegensatzes haben die neusten Arbeiten von Tina Heuter eine Selbstverständlichkeit und gleichzeitig einen spannenden Interpretationsspielraum für den Betrachter. Und der Typ, der lässig in der Ecke hängt, beobachtet mit seiner Gedankenblase „What a day“ die Szenerie und obwohl er keine Standfläche hat, fehlt ihm nichts.

Vita – Tina Heuter

Tina Heuter, 1968 in Düren geboren, absolvierte nach dem Abitur eine Holzbildhauerlehre im Atelier Bonifatius Stirnberg. Im Anschluss Studierte sie an der Fachhochschule Aachen im Fachbereich Design und Bildhauerei bei Prof. Lutz Brockhaus & Prof. Benno Werth. Beim Internationalen Bildhauer – Symposium in Budduso / Sardinien erhielt Tina Heuter 1995 den 3. Preis. Nach Ihrem erfolgreichen Diplom-Abschluss 1998, folgten viele Ausstellungen im In- und Ausland und belegte beim „Andreas-Kunstpreis 2003“ den 1.Platz. Seit 2011 wird sie in Berlin von der mianki.Gallery vertreten und wurde bereits in zwei Einzelausstellungen, einer Gruppenausstellung und auf der PREVIEW BERLIN 2013 gezeigt. Tina Heuter lebt und arbeitet seit 2005 in Berlin.

Katharina Schnitzler

Katharina Schnitzler, eine Forscherin im Dazwischen, konfrontiert uns mit der Wahrnehmung und unseren angenommenen Realitäten. Sie schafft Bildwelten, die auf subjektive Weise das menschliche Bedürfnis nach Lösungen erfüllen. In ihrer Arbeit überlagert sie unzählige Texturen, Farbschichten, Zeichnungen und Text. Es entstehen Gemälde – installiert, poetisch, tief, witzig, eng verwoben und dabei brutal und schön zugleich!

In Ihrer neuen Serie „Die zweidimensionale Frau“ – Zweidimensional = Länge + Breite, stellt sie die Fragen „Wie emanzipiert sind Frauen in unserer westlichen Gesellschaft? Welchen Idealbildern jagen wir nach?“ Barbara Vinken schreibt in Ihrem Buch „Angezogen“ von Models, die in der Reduktion ihrer Maße Statuen gleich „von jeder Innerlichkeit so seelen- wie geistlos entleert“ sind. „Sie inkarnieren den leblosen Körper der Puppe und spiegeln die Vollkommenheit der Statue den Abglanz des Göttlichen“.
Perfektion scheint einher zu gehen mit Vereinfachung, Glättung. Der Zauber liegt in der Reduktion auf unnatürlich lange Beine. Die Ölzeichnungen von KatS haben diese Abstraktion der weiblichen Wesen zum Thema. Entfremden auf gewohnt humoristische Weise und stellen Fragen nach Lebendigkeit, Individualität und Persönlichkeit.

In ihrem schaffen ist Katharina Schnitzler eine Meisterin der Mischtechnik. Oftmals besteht der Hintergrund aus unzähligen Schichten. Da der Pinselstrich zu sehen ist und dieser in verschiedene Richtungen gezogen wird, entstehen Strukturen und Muster. Dabei unterstreicht Schnitzler die Materialität der Arbeit: manchmal ist es Stoff, manchmal erscheint es nur so, denn die Strukturen erinnern an Ausschnitte von Stoffbahnen. Häufig entsteht ein Gefühl von Raum. Im Vordergrund befinden sich manchmal zarte Zeichnungen, die bis in das Abstrakte gehen oder geometrische Formen, welche mit viel Farbe aufgetragen wurden. Aber auch graziöse Pflanzen oder ornamentale Verzierungen ergänzen die Komposition und erinnern an chinesische Malerei.

Die Darstellung des „Dazwischen“ ist ihr künstlerischer Anspruch. Die Künstlerin Katharina Schnitzler bezeichnet sich als eine Forscherin im „Dazwischen“. Obwohl der Hinter- und der Vordergrund auch jeweils für sich stehen könnten, kommunizieren und harmonieren sie miteinander.
„Ich möchte, dass meine Bilder vielschichtig sind, der Betrachter sie nicht leer sieht, sondern seine subjektive Wahrnehmung das Bild immer wieder verändert. Der Facettenreichtum allen Seins, beinhaltet Momente, in denen alles möglich scheint“ sagt Katharina Schnitzler über ihr künstlerisches Anliegen.
Katharina Schnitzlers Werke strahlen eine subtile Zeitlosigkeit aus und beschäftigen sich mit den existenziellen menschlichen Themen wie Liebe und Glück, Schönheit und Freude, aber auch Trauer und Krieg.

Vita – Katharina Schnitzler

Katharina Schnitzler, * 1963 in Düsseldorf, wächst geprägt durch ihren Vater, Conrad Schnitzler, Künstler, und ihre Mutter Christa Schnitzler, Schauspielerin, in einem künstlerischen Umfeld auf. Ihre eigene künstlerische Laufbahn beginnt sie 1990 in den USA mit ihrer ersten Installation „Final Kath“ in der Generator Gallery, New York. Von 1995 bis 1999 macht sie eine Ausbildung zur Diplom Kunsttherapeutin/Pädagogin an der Fachhochschule Ottersberg, wechselt dann an die UdK Berlin und schließt dort 2003 mit dem Master of Art ab. Heute blickt sie auf zahlreiche Gruppen- und Einzelausstellungen im In- und Ausland zurück und wurde unter anderem in mehreren Ausstellungen im Kunstverein Kunsthaus Potsdam, im Abgeordnetenhaus von Berlin mit der GEDOK, im Kunstverein Altes Rathaus Musberg, in der Galerie Purple Canvas, München und der mianki.Gallery, Berlin gezeigt.

mianki. Gallery wurde im Herbst 2008 eröffnet. Sie ist eine junge, innovative Galerie, die mit Künstlerinnen und Künstlern einer neuen Generation zusammenarbeitet. Die Galerie gewinnt ihr eigenständiges Profil durch die Fokussierung auf außergewöhnliche Materialhaftigkeit. Ihre Künstlerinnen und Künstler prägen besondere Bildwelten im Einsatz und der Verarbeitung von außer- und ungewöhnlichen Materialien. Künstler der Galerie Silke Katharina Hahn, Halfa, Tina Heuter, Claudia Kallscheuer, Jakob Kupfer, Christophe Laudamiel, Anna Matola, Ev Pommer, Katharina Schnitzler, Michael Schuster

Andreas Herrmann
Kalckreuthstr. 15
10777 Berlin

Kunst Kultur Gastronomie

Reinisch Contemporary zeigt Herbert Brandl in der malerischen Offensive

Herbert Brandl ist wütend. In „happysulmtaltotalzerstörung 2012“ zeigt er nicht nur bildgewaltige neue Werke, er stellt wirtschaftliche und politische Interessen in Frage, sowohl auf als auch abseits der Leinwand.
Reinisch Contemporary zeigt Herbert Brandl in der malerischen Offensive
Herbert Brandl

Herbert Brandl, der Maler, schafft landschaftliche Bilder, die sich in einem Schwebezustand zwischen Abstraktion und Repräsentation befinden. Flüchtige Momente des (Wieder)- Erkennens wechseln sich ab mit einem Eintauchen in farbgewaltige Traumwelten.

„Ich entwickle Farbe aus der Farbe heraus und nicht aus der Form. An sich handelt es sich in meiner Malerei um Farbflecken oder Farbwolken, aus denen sich eine Hauptfarbe entwickelt, die alles überflutet“, so ein Zitat Brandls im BACA Kunstforum.

Brandl, der Bürger, bezieht mit „happysulmtaltotalzerstörung 2012“ Stellung zur Bedrohung einer der wenigen unverbauten Flusslandschaften Europas durch den geplanten Bau eines Kraftwerks an der steirischen Sulm.

Günther Holler-Schuster, Kurator: „Ob das Sulmtal vor der Zerstörung gerettet werden kann, darf man bezweifeln. Die Wut des Künstlers und die Ohnmacht in weiten Teilen der Gesellschaft angesichts des rücksichtslosen Umgangs mit der Natur und deren Ressourcen sind weit verbreitet und haben ständig neue Anlässe. Die Malerei als eines der traditionellsten Medien innerhalb der Kunst hat kaum Möglichkeiten, sich aktiv in gesellschaftliche Prozesse einzumischen.“

Gleichzeitig zieht „happysulmtaltotalzerstörung 2012“ Parallelen zur chinesischen Malerei als „medialen Ort, an dem wahres Leben möglich ist. Kunst und Lebenskunst sind dabei gleichgestellt.“ Auch Brandl spielt mit diesem medialen Raum, wo Kunst, Realität und Massenmedien aufeinander treffen können, indem er seine Bilder mit Licht, Gegenständlichkeit und Räumlichkeit ausstattet.

Holler-Schuster: „Brandls Ausstellung in der Galerie Reinisch Contemporary lässt auf engem Raum ein unheimlich weites Panorama an malerischer Dramatik zu. Die Bilder sind sowohl Einzelereignisse als auch ein Gesamterlebnis durch den installativen Charakter und das Zusammenspiel der Werke. Selten erreicht Malerei derartige Wahrnehmungssphären wie im Werk von Brandl.“

Die Ausstellung präsentiert eine Auswahl von teils großformatigen Ölbildern und Monotypien; einer Technik, die Brandl 2009 für sich entdeckt hat. Bei diesem einfachen Druckverfahren wird direkt auf Plexiglasscheiben gemalt, die dann auf einen Bildträger gepresst werden. Es entstehen Einzelstücke in Serie, vergleichbar mit den Einzelaufnahmen einer Filmstrecke. Die Dynamik des Malvorgangs lässt sich in Monotypien größtmöglich und unmittelbar erreichen.

Galerist Helmut Reinisch über den Künstler: „Ich kenne und schätze Herbert Brandl seit den frühen 80er Jahren und zwei Aspekte seiner Arbeiten faszinieren mich besonders. Einerseits bringt er die Klassik in die Moderne ohne klassisch zu sein, damit meine ich seinen Umgang mit Farbe und Licht, die er viel eher als Werkzeuge einsetzt als Leinwand und Pinsel. Andererseits, dass er sich alle paar Jahre neu erfindet und uns mit unkonventionellen Schöpfungen überrascht, wie zuletzt mit seinen überdimensionalen Monotypien.“


‚happysulmtaltotalzerstörung 2012‘
2. bis 19. Mai 2012
Reinisch Contemporary
Hauptplatz 6, 8010 Graz

Montag bis Freitag, 10:00 bis 18:00
Samstag 10:00 bis 17:00

Seit mehr als 25 Jahren sammelt, zeigt und handelt Helmut Reinisch mit österreichischer und internationaler Gegenwartskunst. Neben aktuellen Werken neuer Talente beinhaltet die Sammlung auch teils frühe Arbeiten von Künstlern wie Arnulf Rainer, Erwin Wurm und Joseph Beuys.

Über formelle Grenzen hinweg beschäftigt sich Reinisch Contemporary mit vermeintlich disparaten Schaffensfeldern und deren Verknüpfungen. Unvermutete Resonanzen zwischen ausgewählten Werken der Malerei, Skulptur, Textilkunst und Fotografie werden mitunter zum Vorschein gebracht und erzeugen Spannung.

Durch Ausstellungen, Aktionen, Künstlerstipendien und interdisziplinäre Projekte ermöglicht Reinisch Contemporary immer wieder Begegnungen auf Augenhöhe zwischen Künstlern, Sammlern und der Öffentlichkeit.

Reinisch Contemporary
Helmut Reinisch
Hauptplatz 6
8010 Graz
+43 (0) 316 82 1111

Art Culture

Reinisch Contemporary opens with new works by Hubert Schmalix

Reinisch Contemporary opens with new works by Hubert Schmalix

Winter Journey, 150×400 cm, Oil on Canvas, January 2012

Winter Journey, an exhibition of new paintings by renowned Austrian artist Hubert Schmalix, marks the return of art collector and dealer Helmut Reinisch to the historical centre of Graz. More than 200 m2 in a prime location are (once again) converted into a setting for selected art projects .

Günther Holler-Schuster, Universalmuseum Joanneum, about Winter Journey:

The new paintings by ever-travelling Hubert Schmalix are, as in the past, determined by ostensible contradictions. Tight rows of geometrically aligned houses present themselves in bright colours – bleached from the sun or lightly covered in snow. With Schmalix, emptiness is never oppressive. The formed spaces are painterly dreams. Reality is kept at bay. The pictorial, on the other hand, is closer, creating a new substantiveness. The vegetative becomes ornamental. Density replaces colourfulness. It may seem obvious, but Schmalix is not concerned with narratives. It is the painterly, the pictorial, that engenders connectedness – or familiarity – and, at the same time, distance.

Helmut Reinisch has accompanied Schmalix“ development throughout the artist’s rise to one of the greats of contemporary painting. Today, Schmalix, who lives and works in Los Angeles and Vienna, is one of the international figureheads of current Austrian art.

Helmut Reinisch: „What fascinates me is that behind Hubert Schmalix“ seemingly cool themes and „surfaces“, there often lies an immense sensibility.“

More than 25 years ago, Helmut Reinisch began to collect, exhibit and trade contemporary Austrian and international art. Alongside works by promising new talents the collection also includes pieces by artists such as Arnulf Rainer, Hubert Schmalix, Erwin Wurm and Joseph Beuys.

Operating across genre boundaries, Reinisch Contemporary explores ostensibly disparate fields of work and the connections between them. From time to time, fields of resonance between selected pieces ranging from fine arts and sculpture to textiles and photography are brought to light.

Through exhibitions, residencies and cross-disciplinary projects at its locations in central Graz and nearby Kalsdorf Castle, Reinisch Contemporary creates links between artists, collectors, experts and the wider public.

Reinisch Contemporary
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